Comeback Celebration

Nas bravas lojas de discos que ainda restaram, o Beborn Beton provavelmente ocupa um lugar na prateleira ao lado de De/Vision, Wolfsheim e Camouflage. Você sabe, são aquelas bandas bem intencionadas que, segundo os detratores, sonham em ser confundidas com o Depeche Mode, exploram o lado menos cerebral do synthpop e dificilmente vão conseguir um lugar melhor do que o segundo escalão do gênero. O que chega a ser injusto, porque a persistência destes alemães é admirável: eles seguem lançando discos (estão nessa desde 1989) e, mesmo sem hits, excursionam e mantém uma carreira relativamente estável. O recém lançado A Worthy Compensation (décimo álbum da banda - com belíssimo projeto gráfico, diga-se) veio depois de um hiato de dezesseis anos sem material novo. Talvez não seja uma obra-prima como alardeia o release da gravadora Dependent Records, mas me surpreendeu. E muito.

A faixa de abertura, "Daisy Cutter", é um bom exemplo. É pop eletrônico de antigamente numa linguagem que explora as facilidades técnicas atuais, com a escolha muito feliz dos timbres dos teclados e uma composição que não desperdiça a oportunidade de colocar um bom refrão, no lugar certo.

O Beborn Beton afasta-se do future pop voltado pra pistas alternativas e mais ligado à EBM - como o urdido por gente como Covenant e VNV Nation - e mantém o foco num technopop puro e limpo, sem quaisquer bizarrices de tons gótico/industriais. O que rende faixas realmente inspiradas, como "Last Day On Earth".

As surpresas não param por aí. Há quanto tempo eu não ouvia uma música emocionante, que contraria argumentos infundados dos difamadores do gênero - que alegam que o synthpop carece de sentimento e musicalidade - como "She Cried"? Desde o último do Mesh (Automation Baby, 2013), talvez? A faixa é um dos pontos altos do disco. Tem a dose certa de melancolia - expressa tanto nos vocais de Stefan Netschio quanto na variedade dos sons extraídos dos sintetizadores - e mesmo assim, não esbarra na pieguice.

Em "Terribly Wrong", harmonias vocais bem trabalhadas encaixam-se perfeitamente ao aparato eletrônico, em mais um refrão digno de grudar na memória.

Menção honrosa para a levada pop emoldurada por uma cascata sintética no refrão de "I Believe", para a produção esmerada da faixa título (que é também a única música do álbum que não dispensa formalmente o uso da guitarra) e ainda para a incrível construção épica/futurista de "Who Watches The Watchmen", com suas dramáticas aparições de piano, cordas sombrias e programações de baixo e bateria realmente impressionantes.

Produzido com a ajuda de Olaf Wollschläger (Mesh, Yello), A Worthy Compensation deve ser, mesmo, o disco que o trio anunciou, em caixa alta, no site da gravadora: "...THE BEST ALBUM WE WILL PROBABLY EVER MAKE." Eu, que nunca prestei muita atenção no som do grupo, fiquei surpreso com a qualidade e o nível das composições apresentadas - e a edição de luxo ainda tem sete faixas extras; incluindo remixes, versões alternativas e uma ótima versão de "Folsom Prison Blues", de Johnny Cash. A falta de modéstia ou o bom senso marketeiro da banda justifica-se: a volta do Beborn Beton foi composta e planejada por mais de sete anos, o que resultou nesse que é, disparado, o melhor álbum synthpop que ouvi em 2015, até agora.

"Folsom Prison Blues": Johnny Cash, da penitenciária às pistas de dança.

A Inesgotável Leveza do Ser

Tageado como trip-hop, o misterioso produtor californiano Esbe ficaria mais confortável no guarda-chuva downtempo. Beats de hip-hop com pianos onipresentes e dedilhados delicados de violão, samples de soul e jazz com vocais sedativos; seu álbum Bloomsday merece uma audição atenta. As notas surpreendentes vão para o sample do riff de violão de “Oba, Lá Vem Ela” (do nosso Jorge Ben), magistralmente fundido com cítaras e vocais emprestados de "Open Your Eyes" (Bobby Caldwell) em “Darling” e na reconstrução de “Am I The Same Girl” (que virou hit com o Swing Out Sister em 1992) em "Autumn Bliss", com o aproveitamento do sensacional naipe de metais da original de Barbara Acklin (1968) e o milionésimo empréstimo da imortal batida de “Ashley's Roachclip” (Soul Searchers). Mas o disco também é rico em detalhes e amostragens de sons reutilizados com extrema habilidade, como no jungle estratosférico da apropriadamente chamada “Thousands Of Rhythms”, os solos lânguidos de trompete com surdina e a guitarra encharcada de wah-wah da preguiçosa “Intimate” e no arranjo de cordas onírico - provavelmente sampleado do catálogo de Glenn Miller - em “Serenade”. Bloomsday (disponível para audição no Bandcamp) é suave e refrescante, como uma brisa numa dessas noites escaldantes do Hemisfério Sul e tão leve que flutua mansamente pelo ambiente. Ótima surpresa.

Bloomsday: perfeito pro sofá.

Metamorfose Ambulante

Ora delicadamente folk, ora sombriamente eletrônico, Aftermath saiu no meio do ano e é o segundo disco do Hundreds, formado pelos irmãos Eva e Phillip Milner. A dupla alemã levou algo em torno de um ano em meio gravando o álbum e o resultado veio em forma de doze canções com um acabamento primoroso, polido pelo engenheiro de som e produtor britânico David Pye (que já trabalhou com o Wild Beasts). Invernal, agridoce e de incontestável beleza, Aftermath traz arranjos econômicos e precisos, com o uso contido de cordas e pianos e a estaticidade hipnótica dos sintetizadores, que valorizam a ótima vocalista Eva Milner. Vale o confere.

Outra boa notícia é o recente lançamento de um EP de remixes de Aftermath. São excelentes versões para quatro faixas do álbum, feitas por gente tão desconhecida quanto talentosa. Minha preferida é "Aftermath (Robags Berchem Duff NB)", uma impressionante transformação que cruza magistralmente darkismo e pista de dança. Saiu pelo microselo Krakatau, mas tem cara de Pampa Records.

A Segunda Vez a Gente Esquece

Quando uma amiga me indicou o New Division, no começo de 2012, confesso que achei interessante o esforço dos californianos em soar como um mix atualizado de suas bandas preferidas, a saber, Depeche Mode, New Order e Joy Division. Claro que uma penca de gente que se veste preferencialmente de preto já estava explorando esse filão há algum tempo, desde o segundo escalão derivativo do She Wants Revenge até bandas que conseguiram se desvencilhar do excesso de referências disco após disco, como Editors e Interpol. O negócio é que desde que começaram a fazer showzinhos descompromissados pros amigos da faculdade até a brincadeira ficar séria e sair o primeiro disco (Shadows, 2011), o New Division parecia saber dosar suas composições nubladas com pop aparentemente digerível, o que poderia garantir um lugar ao sol ao quinteto.

Aí, estamos em 2014 e sai o segundo álbum. E, vou te falar, foram meus 45 minutos mais desperdiçados do ano. O disco é tenebroso. O que, em Shadows, vinha embalado pela acessibilidade de refrões amigáveis e levadas dançantes - mantidas por bases sóbrias e de uma certa beleza triste - em Together We Shine mostra a banda optando pela solução mais baixa, mais óbvia e mais preguiçosa possível: juntar sua sonoridade pseudo-sorumbática ao que de pior a dance music oferece hoje em dia, leia-se a EDM de gente como Avicii e Swedish House Mafia.

Pule sete casas e vá direto em "Lifted". O que temos? House music padrão Jovem Pan, com um verniz de new wave xinfrim e um riff de sintetizador que faria até o Steve Aoki corar de vergonha. As lambanças estão espalhadas pelo resto do disco. Os efeitos de bateria de nonagésima categoria de "Den Bosch", a interminável chupação dos baixos de Peter Hook ("Shine", "Honest"), a inevitável balada emocional ("St. Petersburg"), os timbres surrados dos teclados, a tentativa desesperada do vocalista John Kunkel em soar como um ícone atormentado do darkismo oitentista.

Datado e cafona, Together We Shine começa mal já no título e se estende até suas onze canções insossas, vazias e sem a menor inspiração. Se alguém se importar com esse lançamento, deve disputar a liderança na lista de piores do ano.

Uma geral em Together We Shine: sente o drama.

Pooley Dance

 

Tá que não é nenhuma maravilha de inovação e criatividade, mas Ian Pooley trabalha direitinho. Seu mais recente álbum, What I Do, saiu no começo do ano e mostra um produtor experiente (Pooley grava desde o meio dos 90), que sabe usar bem o estúdio, com arranjos competentes e eficiência nos grooves e batidas.

Exemplos no disco não faltam. A refrescante "Bring Me Up" - com seu baixo cavalar e a voz sossegada de Dominique Keegan - é um bom começo. A divertida "Kids Play" evidencia que vocais infantis são infalíveis mesmo (pense em "Get A Life", do Soul II Soul e "D.A.N.C.E.", do Justice). Pooley mostra criatividade nas programações de bateria com a exuberância de "1983" (vocal de Högni Egilsson, do Gus Gus) e "What U Love" (com uma bela sessão de cordas sintetizadas). Uma pincelada com tintas escuras em "I Should Be Sleeping", inserções jazzy ("Over") e alguns detalhes que não passam despercebidos (as slapadas de baixo fazem toda diferença na faixa título), e What I Do fica tranquilamente acima da média vigente, num 2013 de poucos álbuns dance dignos de nota. 

"1983": leva pouco tempo pra viajar dos quadris ao cérebro.

Segunda Class: Tony Bennett

É sério. Tony Bennett é legal. Tem aquela pegada cafajeste hollywoodiana de Sinatra e Sammy Davis Jr., mas sua voz limpa, potente e aveludada (quando necessário) compensa. Assusta um pouco na suntuosidade dos arranjos de "Reflections" e nos exageros vocais de "Maybe September", mas os dois minutos e meio deliciosos de "I Wish I Were In Love Again" e a delicadeza acústica de "Blue Moon" superam qualquer escorregada. E o "Cole Porter Medley"? Maravilha.

Está tudo em As Time Goes By, Great American Songbook Classics, lançado em Fevereiro deste ano. Aos 87 anos, um dos últimos moicanos na ativa. Essencial.

"Blue Moon": original de 1958.

Réquiem

Era um beco sem saída. Moby chegou ao topo com Play, seu multiplatinado álbum de 1999. Sintomaticamente, também, esgotava-se ali a fórmula: beats quebradiços recheados com loops de blues de meio século atrás e teclados sinfônicos a um passo da grandiloquência. Era o downtempo para as massas vendendo 12 milhões de cópias, estrelando campanhas publicitárias milionárias e elevando Moby à categoria de Pelé da eletrônica.

Dali pra frente, Moby manteve o foco num certo tipo de ambient music high tech, explorando com poucas variações a receita que deu certo em Play e abdicando do que foi o seu habitat natural no começo da carreira: as pistas de dança. Fora um ou outro single ("Lift Me Up", "Disco Lies"), os discos de Richard Melville Hall começaram a ficar cada vez mais modorrentos, arrastados, preguiçosos. E chatos.

Ouvindo Innocents - que sai oficialmente dia 01 de Outubro - deu pra sacar que Moby não intenciona mudanças significativas, mas os dezoito meses produzindo esse disco mostraram que o tempo foi muito bem gasto. Dá pra afirmar sem medo de errar que é seu melhor álbum desde 18, de 2002. Tem algumas colaborações vocais de respeito (Wayne Coyne do Flaming Lips e Mark Lanegan, ex-Screaming Trees, entre eles), e olha, é um mergulho em águas turvas. Ainda rolam aqueles samples obscuros ("The Last Day", "A Long Time"), chama atenção tecnicamente pelas camadas de vocais sobrepostas com perfeição (a produção é do craque Mark Spike Stent) e tem canções realmente lindas ("The Lonely Night" com Mark Lanegan e "The Last Day" com a desconhecida Skylar Grey são duas das melhores aqui), mas nada tem qualquer proximidade com as luzes frenéticas de uma discoteca, portanto não espere que Innocents migre dos fones de ouvido para alto-falantes de 18 polegadas. É um disco que pega no tranco: ouvi com desconfiança pela primeira vez, simpatizei com alguma coisa na segunda e comecei a descobrir as qualidades na terceira.

Ainda não é aquele Moby. Mas é o melhor Moby dos últimos dez anos.

"The Last Day": técnica de sampleamento em boa forma. 

Segunda Class: King Tubby

Segunda complicada? Ressaquinha? Dub é um santo remédio.  

King Tubby foi um gênio. Possuía uma oficina de reparos de rádios e TVs em Kingston, começou a trabalhar com amplificadores, até construir modelos modelos mais resistentes e potentes dos usados habitualmente na Jamaica e montar seu próprio sound system - o King Tubby's Hometown Hi-Fi - que rapidamente tornou-se o mais popular da Ilha no final dos anos 50. Com seu conhecimento de eletrônica, trabalhou numa das primeiras gravadoras independentes local, a Treasure Isle Studios. No estúdio, Tubby empenhou-se na produção de lados B de singles de artistas jamaicanos (que continham a versão instrumental da faixa principal), e descobriu que era possível não só remover os vocais, mas também acrescentar efeitos como eco, reverb, distorções, além de acentuar baixo e bateria, até tornar a música quase irreconhecível. Nascia o dub, e por extensão, o remix.

Tubby foi baleado e morto em frente à sua casa, em 1989.

Hometown Hi-Fi Dubplate Specials 1975-1979 sai agora em 2013, e compila parte dos dubs tocados com exclusividade pelo sound system de King Tubby. São 18 faixas carregadas de efeitos e apenas ecoando referências e amostras do que eram os vocais originais, pra perda dos sentidos ser apenas parcial.

Essencial.

Dá pra ouvir trechos da coletânea no Soundcloud:

Old Romantics

Será que ainda falta alguém? O Visage não gravava há 29 anos e, do nada, reaparece em 2013 com disco novo. Primeira reação: desconfiança.

E olha que as coisas não estavam fáceis para o andrógino Steve Strange (voz, maquiagem) nos últimos anos, incluindo aí sua luta contra a dependência de heroína, um colapso nervoso e - fundo do poço - uma condenação à três meses de prisão por furto. Em 2012, Strange apareceu num chat da TV britânica ITV afirmando estar trabalhando com Midge Ure (Ultravox) num novo álbum do Visage. E aí está Hearts And Knives.

A pergunta óbvia é "e presta?". Bom, o Visage sempre foi uma banda de singles. No currículo, os ingleses tem a monumental "Fade To Grey" (1980), um clássico à prova do tempo que tem que estar em qualquer Top 10 Synthpop Songs Of All Times. Depois tem a bonitinha "Mind Of A Toy", e assim, com muita boa vontade, "In The Year 2525" e "The Damned Don't Cry". Seus álbuns anteriores vão ser eternamente ofuscados por "Fade To Grey" - e isso não vai mudar com Hearts And Knives. Mas é um disco decente, menos espalhafatoso e mais sólido do que os outros três que o grupo lançou nos 80.

O fantasma de "Fade To Grey" ainda ronda as composições - é só dar uma ouvida na programação de bateria e nas rajadas de synths de "She's Electric (Coming Around)", mas com faixas como o bom single "Shameless Fashion", o Visage vai se desvencilhando do seu estigma cinza. Com uma vocalista na nova formação (Lauren Duvall), algumas canções lembram os memoráveis duelos de Philip Oakey com Susan Ann Sulley e Joanne Catherall, do Human League ("Hidden Sign", "Dreamer I Know"). Além de Midge Ure, chapas de Steve Strange como o ex-tecladista do Simple Minds Mick MacNeil e o baixista Youth (Killing Joke) participam de Hearts And Knives, preenchendo com sintetizadores épicos faixas como "On We Go", ou fornecendo uma base robusta de quatro cordas, como no baixo disco de "I Am Watching" e no timbre fantástico desse instrumento em "Lost in Static". O comeback do Visage aprovou: Hearts And Knives é sim um bom disco.

Agora só falta o Kajagoogoo voltar. O quê? Eles voltaram? Em 2003? Nãããããooooo!

"Shameless Fashion": bem-vindo de volta, Steve.

Tropeçando Nas Próprias Botas

Boots: muita pose, pouco som.

 Don't believe the hype. Era fogo de palha mesmo. Hands (2009), o álbum de estreia de Little Boots, já não tinha sido lá grande coisa - apesar do falatório e paparicação da imprensa inglesa - e esse segundo também não vai mudar muito a situação.

De gestação difícil (foi gravado no longo período 2010-2013), Nocturnes passou pelas mãos de cinco produtores, entre eles Andrew Butler (Hercules and Love Affair) e James Ford (Simian Mobile Disco). Mas nem eles tiraram o disco da condição de pop sem personalidade, repetitivo e monótono. A maioria das dez faixas segue pela trilha electro house, como a lamentável "Broken Record", primeiro single do álbum. Além de uma base manjada e sem graça, a letra é um primor:

"I hear your voice like a broken record / Saying my name every second / Voice like a broken record / In my heart I feel it echo". Com esse talento pra rimar, Victoria Hesketh poderia compor pro One Direction. Os fãs também parecem ter percebido o tropeço de Little Boots (com o perdão do trocadilho intencional): na Inglaterra, Nocturnes vendeu pouco mais de 2,000 cópias na primeira semana após o lançamento.

"Broken Record": o pior refrão do ano.

Comatose

Entrar no mundo de Kavinsky é como assistir uma temporada inteira de Miami Vice em VHS: pode distrair por um tempo e soar nostálgico (para o bem e para o mal), mas a falta de variedade vai te fazer olhar com mais carinho para produções atuais que não buscam só no passado sua fonte de inspiração. 

Não por acaso, o francês Vincent Belorgey cita a famosa série policial dos 80 como uma das influências presentes em seu debut OutRun (lançado em Fevereiro). Segundo Kavinsky, o disco é baseado na história de um jovem que bate sua Ferrari Testarossa em 1986 e reaparece como um zumbi que produz música eletrônica em 2006 (vai vendo). Daí tantas referências congeladas no tempo: sintetizadores Yamaha DX7, video games, filmes trash de terror (na linha nudez por qualquer motivo, sangue jorrando por todos os lados e humor grosseiro). É só dar uma olhada nos títulos das canções que eles explicam o conceito: "Rampage", "Deadcruiser", "First Blood", "Testarossa Autodrive"... O som é obviamente retrô, com teclados suntuosos (arpejos e timbres de guitarras heavy metal farofa onipresentes) e batidas que buscam a simplificação da forma - no esquema bumbo-caixa, bumbo-caixa, bumbo-caixa. Tem jogadas interessantes, como unir essa noção toda com o hip-hop do rapper Havoc (em "Suburbia"), ou cair em tentação e cometer uma bela canção pop ("Nightcall", com vocais da brasileira Lovefoxxx e produção de Guy-Manuel de Homem-Christo). E para os caçadores de samples, "Grand Canyon" chupa parte dos synths do clássico Italo Disco "Ikeya Seki", do projeto milanês Kano. Pelas idéias que variam minimamente durante os 44 minutos do álbum, OutRun cansa um pouco. Mas não deixa de ser divertido.

"Deadcruiser": é nessa onda aí.

Step By Step

Estranho esse fenômeno: o dubstep nasceu na Inglaterra, chegou ao mainstream americano com o californiano Skrillex na linha de frente e agora discos ingleses parecem uma cópia da cópia...

O britânico Gary McCann está nessa onda desde 2003, já lançou uma lista telefônica de singles, remixou gente do primeiro escalão (Depeche Mode), gente metida a besta (30 Seconds To Mars, Swedish House Mafia) e promessas que não saíram do papel (Miike Snow). Seu recém-lançado segundo álbum Alpha Omega lembra demais as produções de Skrillex, em vários momentos. Na fusão de gosto duvidoso com as baterias e guitarras heavy metal ("War", com Keith Flint nos vocais) e na aproximação com o reggae (na razoável "Let The Rush Kick In"), fica bem evidente. A faixa-título com seu clima sombrio e coral celestial cria uma boa espectativa já na abertura, mas ao longo do disco, Caspa vai mostrando um ecletismo um tanto vazio que não tira seu som do lugar-comum. Ele vai atirando para todos os lados, com canções que não ficam nada a dever ao trance mais fuleiro de um Armin van Buuren ("If They Knew What I Know"), rave feelings com os pianos ítalo de "Reach For The Sky", eletrônica estéril na horrenda "Techno Terry" e ainda mira o Top 10 com os sintetizadores mansinhos e os vocais pop de Ayah Marar na melosa "One By One". Se depender dele, o dubstep caminha firme rumo à estagnação.

"Alpha Omega": solene.

Fã Número Um

Craque do pop nacional, Guilherme Arantes acabou de lançar disco novo. Condição Humana saiu pelo seu selo, Coaxo do Sapo e dá pra ouvir inteiro na página oficial do cantor e tecladista no Soundcloud. Fora isso, tem uma ótima e esclarecedora entrevista sobre o álbum, colaborações e afins, no site da Trip, dá uma ligada lá. Entre outras coisas, Arantes rasga surpreendentes elogios para Mano Brown do Racionais MC's : "A obra de Mano Brown é maior que a de muitos poetas consagrados como Manuel Bandeira, por exemplo. Vão achar um absurdo um dizer isso. Mas imagina! Mano Brown é muito maior que Manuel Bandeira". Brown também não deixa por menos: “Você sempre agradou os pobres. Você queria ser cantor popular, ser um cantor de auditório. Você foi no Sílvio Santos, no Bolinha e no Chacrinha porque você queria agradar as meninas pobres. Todo mundo, minha mãe, minhas tias, minhas primas, meu povo do Capão. Você entra na lista de Roberto Carlos, de Amado Batista. E não é qualquer um que entra nesse mundo da gente”. Taí. Admiração mútua entre dois caras geniais.

"Condição Humana": Arantes em forma.

Barry White Carcamano

Mario Biondi, 42 anos, acompanhou por anos instituições da canção popular italiana como Pepino Di Capri e Fred Bongusto até se dar conta que tinha bala pra tomar seu rumo sem precisar ficar fazendo vocais de apoio para as constrangedoras canções dos senhores acima.  



Sun é o sexto álbum de Mario Biondi, em sua melhor forma: um Barry White albino derramado em baladas soul, sacolejos disco e quebradas jazzy amplamente valorizadas por sua voz com a porcentagem certa de aspereza e harmoniosamente rebatida por naipes de cordas e metais macios e enxutos, com níveis controlados de sacarose. É ouvir "I Can't Read Your Mind" e pensar imediatamente no catálogo da Stax, é aumentar o volume nas disco sublimes "What Have You Done To Me" ou "Girl Blue" e perceber que o baixo percorre um caminho que te leva direto pra 1976 e é ler nos créditos que gente como James Taylor, Al Jarreau, Incognito e Chaka Khan endossam o trabalho acima da média deste italiano de voz abençoada.

"What Have You Done To Me": dance music orgânica.

Killing An Araab

Abraham Orellana descobriu a melhor maneira de fazer rap nos Estados Unidos: sem letras. Depois da confusão causada por um inacabado Electronic Dream 2 ter vazado ano passado, o prolífico garoto nascido em Rhode Island acaba de soltar mais um disco, mixtape, ou seja lá como for que estão chamando isso agora.

 
For Professional Use Only reúne faixas que ficaram de fora dos outros trabalhos, material novo e coisas assim. Precede Electronic Reality, aí sim o disco oficial do AraabMuzik pra 2013 (acho). As faixas aqui vão na mesma onda do que você já conhece desse cara: hi-hats na velocidade da luz, bumbos pedalados por um ciborgue, samples de hip-hop e sintetizadores tranceiros. Tem umas coisas que fogem do padrão, como a orientalizante "The Prince Is Coming" com seu solinho de guitarra e percussão hindu, aproximação com o dubstep ("Never Have To Worry", "Runway Bass"), a latinidad de "I Can Show You" e o soul de "So Good". Até aqui AraabMuzik vem fazendo bonito, mas tô louco pra ouvir esse Electronic Reality pra ver se a fórmula se esgotou ou não.

"The Prince Is Coming": tablas digitais?

 

PS.: stream de For Professional Use Only aqui.

Experimentar (Não) É Preciso

 Das duas uma: ou discos de eletrônica experimental faziam sentido pra mim só no século passado ou não tenho mais paciência pra gente que se autoproclama artista antes de qualquer coisa (músico, por exemplo). Nem sei se essa autoproclamação é o caso do francês Quentin Dupieux (Mr. Oizo) ou do americano Dayve Hawk (Memory Tapes) - espero que não - mas seus discos mais recentes são chatos pra cacete.
  

O título Unreleased Unfinished Unpleasant é a melhor coisa dessa compilação de sobras de Mr. Oizo, porquê explica exatamente o que são as 12 faixas: não lançadas, inacabadas e desagradáveis, conforme tuíte do próprio:

Ele podia ter substituído o "prepare seus ouvidos" por "prepare seu saco". E dá-lhe timbres esquisitos, ritmos trôpegos, sequências irritantes. Não admira ele ter disponibilizado de graça essa tranqueira.

"Duck Guts": e esse tecladinho?

Já o Memory Tapes é o cabeçudo da história. Profundo, folkeado, onírico. Três adjetivos que indicam perigo quando reunidos em disco. Cuidado.

"Sheila": oito minutos e meio. Sono.

Gata da House

 

Nina Kraviz é DJ, cantora e produtora. Nascida na Sibéria, mudou-se para Moscou em 1999 para estudar odontologia. Acabou escrevendo sobre música numa revista local, trabalhou numa agência promotora de eventos e começou a discotecar em clubes da cidade. Esse background todo fez com que Nina chegasse ao primeiro EP em 2009 ("Pain In The Ass") e ao primeiro álbum (auto-intitulado) agora em 2012.  

 

  Fã de sintetizadores analógicos e colecionadora de vinis, Nina definitivamente não é só mais um rostinho bonito no inflado mundo eletrônico. Seu álbum é um mix sexy de deep house e soulful techno, com várias camadas de teclados atmosféricos ("Walking In The Night", "Working", "4 Ben") e foco mais concentrado nos beats simples (bumbo, palmas e cowbells sintéticos ) do que no baixo. Seus vocais ás vezes não ultrapassam a altura do sussurro ("Best Friend"), mas sua produção é cristalina, minimalista e hipnótica. Nina Kraviz é um debut de deixar coçando o queixo: é dance music pro fone de ouvido ou ambient house pra pista de dança?

"Love Or Go": um dos poucos momentos com o baixo em primeiro plano.

 

Além do talento musical facilmente perceptível, Nina Kraviz é excepcionalmente bonita. Dá um confere:

 

 Bom gosto pra música e linda desse jeito... perfeição?
 





Segunda Class: The KLF

 

Segunda feira é dia de tirar o pé do acelerador. Deixar o som baixinho, iluminação fraca.

 

 

Pra colaborar com o clima, temos Chill Out (capa acima), do KLF. Foi o primeiro álbum pensado e concebido para o descanso pós-gandaia dos ravers. Lançado em Fevereiro de 1990, é provavelmente o primeiro disco de ambient house da história. E foi um marco. A inclassificável coleção de 14 faixas concebidas por Jimmy Cauty e Bill Drummond narra uma viagem noturna de trem, partindo do Texas e chegando à Louisiana (detalhe: eles nunca estiveram lá, até a data), em meio a samples de pastores ensandecidos, transmissões radiofônicas, rebanhos de ovelhas e sintetizadores etéreos, além de trechos de Fleetwood Mac, Elvis Presley, 808 State e Van Halen, entre outros. Já li em alguns lugares que o álbum foi gravado num take só, com a dupla inglesa disparando samples e tapes pré-gravados, mas honestamente, não dá pra acreditar. O que eu posso afirmar é que Chill Out é um dos melhores discos que já ouvi na vida, fácil. E o KLF, uma banda que está no meu Top 10 eterno.

 

"Wichita Lineman Was a Song I Once Heard": aperte o cinto.



InterBanks

Tá na rede "The Base", faixa de Banks, segundo álbum solo do vocalista do Interpol, Paul Banks.   

O disco está programado pra 23 de Outubro, e sai pela Matador Records. O álbum é "pessoal, épico e cativante - bem como seus álbuns favoritos da Interpol - com humor irônico de Paul, a emoção nua, e todas as influências variadas em pleno vigor", segundo release da gravadora.

"The Base": prenúncio de coisa boa.

Lado B = Lado A

A frase que li no Twitter outro dia sobre o novo álbum do Com Truise matou a charada: "Qual a diferença entre um disco de raridades do Com Truise e um disco 'normal'?". A resposta é óbvia: nenhuma.  

In Decay é uma compilação de inéditas, gravações pré-lançamentos oficiais e demos somente disponibilizadas anteriormente via Internet. O projeto synthpop/electro/downtempo do nova-iorquino Seth Haley vem ganhando admiradores desde o lançamento de Galactic Melt, seu debut do ano passado. Eu não acho lá grande coisa, mas para fãs de sintetizadores e entusiastas de pop eletrônico instrumental com os dois pés na década de 80, o som do Com Truise é o que há. Nadaver com coisas tipo o que Jean-Michel Jarre se transformou nessa época (um mala espacial/progressivo). A pegada aqui é uma espécie de simbiose improvável entre Harold Faltermeyer e Paul Hardcastle. Tava aqui vendo o site do Com Truise e analisando sua turnê européia, que começou em Maio e encerra em Agosto. Pensei que deve ser curioso e/ou engraçado assistir um show com um cara que fica com o nariz enterrado num laptop durante um bom tempo. Você nunca sabe se ele está cortando graves, limando vocais, adicionando samples ou se está só lendo o e-mail mesmo.

"84' Dreamin": o título diz tudo.